.......Iako je klasificiran na stranici kao solo rad Stevea Hogartha, mora se naglasiti da je riječ o suradnji između Hogartha, Marillionovog pjevača od 1989. godine, i Richarda Barbierija, klavijaturista s Porcupine Treejem. Barbieri je, naime, gostovao na Hogarthovom izvrsnom solo debiju, Ice Cream Genius, ali to je proizvod zajedničkih napora. Također treba naglasiti da će ljudi koji ovo čitaju očekujući da opišem rad koji dovodi najbolje od ova dva izvrsna benda u jedan slavni Marillion meets PT će biti pomalo razočaran, jer ovaj odličan album gotovo da i ne sliči na dnevne poslove dua, što navodim kao dobru stvar. Zapravo, mnogo toga ovdje zapravo više sliči jednom od Barbierijevih prethodnih djela, Japanu. Ubacite još neka zanimljiva gostovanja, posebno Dave Gregory iz XTC-a (koji se također pojavio na Ice Cream Genius) i Chris Maitland na bubnjevima, a ono što ovdje imate je nešto prilično jedinstveno.

Ovaj album je, možda iznenađujuće zbog onoga što je lojalistička skupina obožavatelja na Božjoj zemlji, privukao malo oštrih kritika na forumu obožavatelja Marilliona, a jedan dopisnik je išao toliko daleko da ga je opisao kao dosadan. Je li? Ne. Ono što je promišljeno, složeno, naizmjence duboko mračno i uznemirujuće, a kod drugih uzdižuće, ali nikad ništa manje nego zanimljivo za one koji cijene nešto malo drugačije.

Sviđa mi se otvarač, Crveni Zmaju. Ovo je vrlo snažno glazbeno djelo, i to ono koje, možda, snažno odjekuje sa mnom kao stanovnik Walesa. Jer ova veličanstvena ptica bila je zbrisana u mojoj zemlji dugi niz godina do ponovnog uvođenja, s posebnim statusom, prije nekoliko godina, i srećom sada napreduje, šireći se po prekrasnom velškom krajoliku. Klavijature i Hogarthovi stihovi lijepo i dirljivo opisuju veličanstvenost ovog divnog stvorenja, osobno sam proveo mnogo trenutaka gledajući ovu pticu kako "visi u zraku" dopuštajući svijetu da projuri, a lirska i glazbena interpretacija tih trenutaka je na mjestu.

Slijedi Mačka sa sedam duša, s pulsirajućom bas linijom i zanimljivim zvučnim efektima koji pružaju gotovo sanjivu / trancy pozadinu pjesme koja me u određenoj mjeri podsjeća na Japan i meditacijski je dijalog. Iskrivljeni riff i vokali na kraju su prilično uznemirujući.

Gol je još jedan spori plamenik i duboko reflektirajući. Smatram da stihovi znače nošenje vlastite duše, a ne skidanje fizičke forme. Prolaz "ne dajte im da me vide ovakvog" vrlo je mračan, a klavir, posebno, vrlo dobro odražava to raspoloženje. Alt pitch koji prati nailazi na poziv u pomoć. Staza blijedi do udaraljki i sintisajzerskih zvučnih efekata, pomalo iscrpljena nakon crescenda koji je prethodio.

Crack pojačava tempo, s nečim što je udaljeno od Marilliona i Porcupine Treeja koliko je moguće dobiti. Pjesma s bluesom u srcu, s Hogarthovim glasom iskrivljenim s vremena na vrijeme kako bi se dodao prijeteći podton, dok poziva svoju temu da ode. Ovo je vrlo složeno glazbeno djelo, čiju riffy kasnu sekciju treba vrlo glasno reproducirati u mraku kako bi se dobila puna korist. Kraj je očaravajući s hitnim basom i bubnjevima koji se natječu protiv napjeva.

Your Beautiful Face je vrhunac albuma i lirska jezgra. Rad na gitari je varljivo jednostavan, uzvišeno podupire izgovoreni tekst prije nego što je glavni dio proradio. Ton pjesme u ovoj fazi je, po meni, optimističniji i vjerujem da je to ljubavna pjesma, govoreći o sretnim, ljubavnim, vremenima, prije kraja gdje postaje duboko odraz prošle ljepote i ruke koja je uništila tu ljepotu. U osnovi ljubavna pjesma postavljena protiv glazbe, ovo je promišljeno i sasvim za razliku od gotovo svega ostalog što ćete čuti ove godine.

Najduža pjesma na albumu je Only Love Will Make You Free, koja traje više od osam minuta. Početak me podsjeća na pjesmu Talking Heads čije ime zaboravljam, ali se zatim razvija u komad koji je možda najbliži "tradicionalnoj" Marillionovoj pjesmi, oko Marillion.Com ili anoraknofobije. Ipak, govoreći to, teško je zamisliti da ga sam bend izvodi na ovdje predstavljen način. Volim stihove, moleći nas i svijet da odbacimo rat, mržnju i bol i prihvatimo ljubav. Vokalni efekti na vrhu stihova duboko su složeni i podižu se, a simfonijske tipke postavljene protiv pulsirajućeg ritma dovode do lako najuzbudljivije pjesme na albumu. Nakon nekoliko slušanja, prava ljepota pjesme zaista zasja, a ovdje se događa jedan pakao od puno toga. Postoji prolaz koji je, nasuprot tome, mračan i zabranjen prije nego što glavni dio ponovno počne zatvarati stazu, podižući duhove još jednom.

Podizanje poklopca je eksperimentalno, čudno i puno zvučnih efekata. Mogu ga opisati samo kao new age glazbu za 2010-e, s nekim lijepim ambijentalnim zvučnim pejzažima koji se stvaraju i, bar jednom na albumu, ne osjećam da hogarthova vokalna uloga stvarno odgovara ovome. Znam, grijeh je to reći, ali ovo bi mogla biti učinkovitija pjesma da je ostavljena kao instrumental s učinkovitijim vokalnim efektima koji su ostali. Također je izuzetno mračno kao glazbeno djelo.

Kratka bliža, naslovna pjesma, vraća nas u reflektirajući prolaz Tvog lijepog lica, u starosti, daleko prošlosti ljepote, s rukom koja je ispalila djelo, a ne samo oružje, istinski odgovorno.

Kome bi se ovaj album svidio?

Pa, svakako, ako već niste obožavatelj Stevea Hogartha, ovaj album neće učiniti ništa da vas preobrati. Također, ako se večeras želite poševiti s novim partnerom, ovo možda nije najbolji album za njegovu/njezinu reprodukciju.

To je duboka i složena afera, ali ona koja je nagrađena ponovljenim slušanjem. To je suradnja dva najbolja eksponenta i umova modernog progresivnog rocka. Samo nemoj previše istraživati unutrašnjost tih umova. Ono što nađete možda neće, osjećam, biti po vašem ukusu, jer je ovo, u glavnom, vrlo mračno.

Četiri zvjezdice za ovaj album. To je izvrsno. To je drugačije. To je prizor bolji nego što možete zamisliti, a ljubitelji eklektičnog proga, svakako Hamilla i VDGG-a ovdje bi mogli puno uživati.


.......If it is classified on the site as a solo work by Steve Hogarth, it must be emphasized that this is a collaboration between Hogarth, Marillion's singer since 1989, and Richard Barbieri, a keyboardist with Porcupine Tree. Barbieri was a guest on Hogarth's excellent solo debut, Ice Cream Genius, but it's the product of a joint effort. It should also be emphasized that the people who read this expecting me to describe the work that brings the best of these two excellent bands to one famous Marillion meets PT will be a bit disappointed, because this great album hardly resembles the day jobs of the duo, which I cite as a good thing. In fact, much here actually looks more like one of Barbieri's previous works, Japan. Throw in some more interesting guest appearances, especially Dave Gregory from XTC (who also appeared on Ice Cream Genius) and Chris Maitland on drums, and what you have here is something pretty unique.

This album, perhaps surprisingly because of what is a loyalist group of fans on God's land, attracted little harsh criticism on the Marillion fan forum, and one correspondent went so far as to describe it as boring. Is it? What is thoughtful, complex, alternately deeply dark and disturbing, and in others uplifting, but never anything less than interesting for those who appreciate something a little different.

I like the opener, Red Dragon. This is a very powerful piece of music, and one that, perhaps, resonates strongly with me as a resident of Wales. For this magnificent bird was wiped out in my country for many years until its reintroduction, with special status, a few years ago, and luckily it is now thriving, spreading across the beautiful Welsh countryside. Keyboards and Hogarth lyrics beautifully and movingly describe the magnificence of this wonderful creature, I personally spent many moments watching this bird "hang in the air" allowing the world to rush by, and the lyrical and musical interpretation of these moments is in place.

Next up is The Cat with Seven Souls, with a pulsating bass line and interesting sound effects that provide an almost dreamy/trancy background to a song that reminds me to some extent of Japan and is a meditation dialogue. The distorted riff and vocals end up being quite disturbing.

The goal is another slow burner and deeply reflective. I find that lyrics mean carrying your own soul, not taking off your physical form. The "don't let them see me like this" pass is very dark, and the piano, in particular, reflects that mood very well. The alt pitch he's tracking comes across a distress call. The track fades to percussion and synthesizer sound effects, somewhat exhausted after the crescendo that preceded it.

Crack amplifies the pace, with something as far from Marillion and Porcupine Tree as possible to get. A song with blues at heart, with Hogarth's voice distorted from time to time to add a menacing undertone, as he urges his theme to go. This is a very complex piece of music, the riffy late section of which needs to be reproduced very loudly in the dark in order to get the full benefit. The ending is mesmerizing with urgent bass and drums competing against chants.

Your Beautiful Face is the highlight of the album and the lyrical core. Working on a guitar is deceptively simple, sublimely supporting spoken lyrics before the main part is up and running. The tone of the song at this stage is, to me, more optimistic and I believe it is a love song, talking about happy, loving, times, before the end where it becomes a deep reflection of the past beauty and the hand that destroyed this beauty. Basically a love song set against music, this is thoughtful and quite unlike almost everything else you'll hear this year.

The longest song on the album is Only Love Will Make You Free, which lasts more than eight minutes. The beginning reminds me of the song Talking Heads, whose name I forget, but then develops into a piece that may be closest to a "traditional" Marillion song, around Marillion.Com

 or anoracnophobia. Nevertheless, in saying this, it is difficult to imagine the band itself performing it in the way presented here. I love the verses, begging us and the world to reject war, hatred and pain and accept love. The vocal effects at the top of the lyrics are deeply complex and rising, and the symphonic keys set against the throbbing rhythm lead to easily the most exciting song on the album. After a few listens, the true beauty of the song really shines through, and there's a hell of a lot going on here. There is a passageway that, by contrast, is dark and forbidden before the main part starts closing the track again, lifting spirits once again.

Lifting the lid is experimental, strange and full of sound effects. I can only describe it as New Age music for the 2010s, with some nice ambient soundscapes being created and, for once on the album, I don't feel like Hogarth's vocal role really fits this. I know, it's a sin to say it, but this might have been a more effective song if it had been left as an instrumental with the more effective vocal effects that remain. It's also extremely dark as a piece of music.

A brief closer, title track, takes us back to the reflective passage of Your Beautiful Face, in old age, far past beauty, with a hand that fired a work, not just a weapon, truly responsible.

Who would like this album?

Well, sure, if you're not already a Steve Hogarth fan, this album won't do anything to convert you. Also, if you want to have sex with a new partner tonight, this may not be the best album to play/play.

It is a deep and complex affair, but one that has been rewarded with repeated listening. It's a collaboration between two of the best exponents and minds of modern progressive rock. Just don't over-explore the inside of those minds. What you find may not, I feel, be to your taste, because this, in the main, is very dark.

Four stars for this album. That's great. That's different. It's a scene better than you can imagine, and fans of eclectic prog, certainly Hamill and VDGG could enjoy it a lot here. LADISLAV&Z.......


.......S’il est classé sur le site comme une œuvre solo de Steve Hogarth, il faut souligner qu’il s’agit d’une collaboration entre Hogarth, le chanteur de Marillion depuis 1989, et Richard Barbieri, claviériste avec Porcupine Tree. Barbieri était un invité sur l’excellent début solo de Hogarth, Ice Cream Genius, mais c’est le produit d’un effort commun. Il convient également de souligner que les gens qui lisent ceci s’attendant à ce que je décrive le travail qui apporte le meilleur de ces deux excellents groupes à un célèbre Marillion rencontre PT seront un peu déçus, parce que ce grand album ressemble guère aux emplois de jour du duo, que je cite comme une bonne chose. En fait, beaucoup ici ressemble plus à l’une des œuvres précédentes de Barbieri, le Japon. Ajoutez à cela des apparitions d’invités plus intéressantes, en particulier Dave Gregory de XTC (qui est également apparu sur Ice Cream Genius) et Chris Maitland à la batterie, et ce que vous avez ici est quelque chose d’assez unique.

Cet album, peut-être étonnamment à cause de ce qui est un groupe loyaliste de fans sur la terre de Dieu, a attiré peu de critiques sévères sur le forum des fans de Marillion, et un correspondant est allé jusqu’à le décrire comme ennuyeux. Ça l’est? Ce qui est réfléchi, complexe, alternativement profondément sombre et dérangeant, et dans d’autres édifiant, mais jamais rien de moins qu’intéressant pour ceux qui apprécient quelque chose d’un peu différent.

J’aime l’ouvreur, Red Dragon. C’est un morceau de musique très puissant, et qui, peut-être, résonne fortement avec moi en tant que résident du Pays de Galles. Car ce magnifique oiseau a été anéanti dans mon pays pendant de nombreuses années jusqu’à sa réintroduction, avec un statut spécial, il y a quelques années, et heureusement, il est maintenant en plein essor, se répandant à travers la belle campagne galloise. Les claviers et les paroles de Hogarth décrivent magnifiquement et de manière émouvante la magnificence de cette merveilleuse créature, j’ai personnellement passé de nombreux moments à regarder cet oiseau « pendre dans les airs » permettant au monde de se précipiter, et l’interprétation lyrique et musicale de ces moments est en place.

Ensuite, il y a The Cat with Seven Souls, avec une ligne de basse pulsante et des effets sonores intéressants qui fournissent un fond presque rêveur / trancy à une chanson qui me rappelle dans une certaine mesure du Japon et est un dialogue de méditation. Le riff déformé et la voix finissent par être assez dérangeants.

L’objectif est un autre brûleur lent et profondément réfléchissant. Je trouve que les paroles signifient porter votre propre âme, pas enlever votre forme physique. La passe « ne les laissez pas me voir comme ça » est très sombre, et le piano, en particulier, reflète très bien cette humeur. Le terrain alternatif qu’il suit tombe sur un appel de détresse. La piste s’estompe aux percussions et aux effets sonores du synthétiseur, quelque peu épuisée après le crescendo qui l’a précédée.

Crack amplifie le rythme, avec quelque chose d’aussi loin que possible de Marillion et Porcupine Tree à obtenir. Une chanson avec le blues à cœur, avec la voix de Hogarth déformée de temps en temps pour ajouter une nuance menaçante, alors qu’il exhorte son thème à aller. Il s’agit d’un morceau de musique très complexe, dont la section tardive riffy doit être reproduite très fort dans l’obscurité afin d’obtenir le plein bénéfice. La fin est envoûtante avec une basse et une batterie urgentes en concurrence avec des chants.

Your Beautiful Face est le point culminant de l’album et le noyau lyrique. Travailler sur une guitare est d’une simplicité trompeuse, soutenant sublimement les paroles parlées avant que la partie principale ne soit opérationnelle. Le ton de la chanson à ce stade est, pour moi, plus optimiste et je crois que c’est une chanson d’amour, parlant de bonheur, d’amour, de temps, avant la fin où il devient un reflet profond de la beauté passée et de la main qui a détruit cette beauté. Fondamentalement, une chanson d’amour contre la musique, c’est réfléchi et tout à fait différent de presque tout ce que vous entendrez cette année.

La chanson la plus longue de l’album est Only Love Will Make You Free, qui dure plus de huit minutes. Le début me rappelle la chanson Talking Heads, dont j’oublie le nom, mais se développe ensuite en un morceau qui peut être le plus proche d’une chanson « traditionnelle » de Marillion, autour de Marillion.Com

 ou l’anoracnophobie. Néanmoins, en disant cela, il est difficile d’imaginer le groupe lui-même l’interpréter de la manière présentée ici. J’aime les versets, nous suppliant, nous et le monde, de rejeter la guerre, la haine et la douleur et d’accepter l’amour. Les effets vocaux au sommet des paroles sont profondément complexes et ascendants, et les touches symphoniques contre le rythme lancinant mènent facilement à la chanson la plus excitante de l’album. Après quelques écoutes, la vraie beauté de la chanson brille vraiment à travers, et theres un enfer de beaucoup de choses qui se passent ici. Il y a un passage qui, en revanche, est sombre et interdit avant que la partie principale ne commence à fermer la piste à nouveau, soulevant le moral une fois de plus.

Soulever le couvercle est expérimental, étrange et plein d’effets sonores. Je ne peux que le décrire comme de la musique New Age pour les années 2010, avec de beaux paysages sonores ambiants en cours de création et, pour une fois sur l’album, je n’ai pas l’impression que le rôle vocal de Hogarth correspond vraiment à cela. Je sais, c’est un péché de le dire, mais cela aurait pu être une chanson plus efficace si elle avait été laissée comme un instrumental avec les effets vocaux plus efficaces qui restent. C’est aussi extrêmement sombre comme morceau de musique.

Un bref rapprochement, piste titre, nous ramène au passage réfléchissant de Your Beautiful Face, dans la vieillesse, la beauté bien au-delà, avec une main qui a tiré une œuvre, pas seulement une arme, vraiment responsable.

Qui aimerait cet album ?

Eh bien, bien sûr, si vous n’êtes pas déjà un fan de Steve Hogarth, cet album ne fera rien pour vous convertir. De plus, si vous voulez avoir des relations sexuelles avec un nouveau partenaire ce soir, ce n’est peut-être pas le meilleur album à jouer / jouer.

Il s’agit d’une affaire profonde et complexe, mais qui a été récompensée par des écoutes répétées. C’est une collaboration entre deux des meilleurs représentants et esprits du rock progressif moderne. Il suffit de ne pas trop explorer l’intérieur de ces esprits. Ce que vous trouvez peut ne pas être, je pense, à votre goût, parce que cela, dans l’ensemble, est très sombre.

Quatre étoiles pour cet album. C’est génial. C’est différent. C’est une scène meilleure que vous ne pouvez l’imaginer, et les fans de prog éclectique, certainement Hamill et VDGG pourraient en profiter beaucoup ici. LADISLAV&Z......


.......’il est classé sur le site comme une œuvre solo de Steve Hogarth, il faut souligner qu’il s’agit d’une collaboration entre Hogarth, le chanteur de Marillion depuis 1989, et Richard Barbieri, claviériste avec Porcupine Tree. Barbieri était un invité sur l’excellent début solo de Hogarth, Ice Cream Genius, mais c’est le produit d’un effort commun. Il convient également de souligner que les gens qui lisent ceci s’attendant à ce que je décrive le travail qui apporte le meilleur de ces deux excellents groupes à un célèbre Marillion rencontre PT seront un peu déçus, parce que ce grand album ressemble guère aux emplois de jour du duo, que je cite comme une bonne chose. En fait, beaucoup ici ressemble plus à l’une des œuvres précédentes de Barbieri, le Japon. Ajoutez à cela des apparitions d’invités plus intéressantes, en particulier Dave Gregory de XTC (qui est également apparu sur Ice Cream Genius) et Chris Maitland à la batterie, et ce que vous avez ici est quelque chose d’assez unique.

Cet album, peut-être étonnamment à cause de ce qui est un groupe loyaliste de fans sur la terre de Dieu, a attiré peu de critiques sévères sur le forum des fans de Marillion, et un correspondant est allé jusqu’à le décrire comme ennuyeux. Ça l’est? Ce qui est réfléchi, complexe, alternativement profondément sombre et dérangeant, et dans d’autres édifiant, mais jamais rien de moins qu’intéressant pour ceux qui apprécient quelque chose d’un peu différent.

J’aime l’ouvreur, Red Dragon. C’est un morceau de musique très puissant, et qui, peut-être, résonne fortement avec moi en tant que résident du Pays de Galles. Car ce magnifique oiseau a été anéanti dans mon pays pendant de nombreuses années jusqu’à sa réintroduction, avec un statut spécial, il y a quelques années, et heureusement, il est maintenant en plein essor, se répandant à travers la belle campagne galloise. Les claviers et les paroles de Hogarth décrivent magnifiquement et de manière émouvante la magnificence de cette merveilleuse créature, j’ai personnellement passé de nombreux moments à regarder cet oiseau « pendre dans les airs » permettant au monde de se précipiter, et l’interprétation lyrique et musicale de ces moments est en place.

Ensuite, il y a The Cat with Seven Souls, avec une ligne de basse pulsante et des effets sonores intéressants qui fournissent un fond presque rêveur / trancy à une chanson qui me rappelle dans une certaine mesure du Japon et est un dialogue de méditation. Le riff déformé et la voix finissent par être assez dérangeants.

L’objectif est un autre brûleur lent et profondément réfléchissant. Je trouve que les paroles signifient porter votre propre âme, pas enlever votre forme physique. La passe « ne les laissez pas me voir comme ça » est très sombre, et le piano, en particulier, reflète très bien cette humeur. Le terrain alternatif qu’il suit tombe sur un appel de détresse. La piste s’estompe aux percussions et aux effets sonores du synthétiseur, quelque peu épuisée après le crescendo qui l’a précédée.

Crack amplifie le rythme, avec quelque chose d’aussi loin que possible de Marillion et Porcupine Tree à obtenir. Une chanson avec le blues à cœur, avec la voix de Hogarth déformée de temps en temps pour ajouter une nuance menaçante, alors qu’il exhorte son thème à aller. Il s’agit d’un morceau de musique très complexe, dont la section tardive riffy doit être reproduite très fort dans l’obscurité afin d’obtenir le plein bénéfice. La fin est envoûtante avec une basse et une batterie urgentes en concurrence avec des chants.

Your Beautiful Face est le point culminant de l’album et le noyau lyrique. Travailler sur une guitare est d’une simplicité trompeuse, soutenant sublimement les paroles parlées avant que la partie principale ne soit opérationnelle. Le ton de la chanson à ce stade est, pour moi, plus optimiste et je crois que c’est une chanson d’amour, parlant de bonheur, d’amour, de temps, avant la fin où il devient un reflet profond de la beauté passée et de la main qui a détruit cette beauté. Fondamentalement, une chanson d’amour contre la musique, c’est réfléchi et tout à fait différent de presque tout ce que vous entendrez cette année.

La chanson la plus longue de l’album est Only Love Will Make You Free, qui dure plus de huit minutes. Le début me rappelle la chanson Talking Heads, dont j’oublie le nom, mais se développe ensuite en un morceau qui peut être le plus proche d’une chanson « traditionnelle » de Marillion, autour de Marillion.Com

 ou l’anoracnophobie. Néanmoins, en disant cela, il est difficile d’imaginer le groupe lui-même l’interpréter de la manière présentée ici. J’aime les versets, nous suppliant, nous et le monde, de rejeter la guerre, la haine et la douleur et d’accepter l’amour. Les effets vocaux au sommet des paroles sont profondément complexes et ascendants, et les touches symphoniques contre le rythme lancinant mènent facilement à la chanson la plus excitante de l’album. Après quelques écoutes, la vraie beauté de la chanson brille vraiment à travers, et theres un enfer de beaucoup de choses qui se passent ici. Il y a un passage qui, en revanche, est sombre et interdit avant que la partie principale ne commence à fermer la piste à nouveau, soulevant le moral une fois de plus.

Soulever le couvercle est expérimental, étrange et plein d’effets sonores. Je ne peux que le décrire comme de la musique New Age pour les années 2010, avec de beaux paysages sonores ambiants en cours de création et, pour une fois sur l’album, je n’ai pas l’impression que le rôle vocal de Hogarth correspond vraiment à cela. Je sais, c’est un péché de le dire, mais cela aurait pu être une chanson plus efficace si elle avait été laissée comme un instrumental avec les effets vocaux plus efficaces qui restent. C’est aussi extrêmement sombre comme morceau de musique.

Un bref rapprochement, piste titre, nous ramène au passage réfléchissant de Your Beautiful Face, dans la vieillesse, la beauté bien au-delà, avec une main qui a tiré une œuvre, pas seulement une arme, vraiment responsable.

Qui aimerait cet album ?

Eh bien, bien sûr, si vous n’êtes pas déjà un fan de Steve Hogarth, cet album ne fera rien pour vous convertir. De plus, si vous voulez avoir des relations sexuelles avec un nouveau partenaire ce soir, ce n’est peut-être pas le meilleur album à jouer / jouer.

Il s’agit d’une affaire profonde et complexe, mais qui a été récompensée par des écoutes répétées. C’est une collaboration entre deux des meilleurs représentants et esprits du rock progressif moderne. Il suffit de ne pas trop explorer l’intérieur de ces esprits. Ce que vous trouvez peut ne pas être, je pense, à votre goût, parce que cela, dans l’ensemble, est très sombre.

Quatre étoiles pour cet album. C’est génial. C’est différent. C’est une scène meilleure que vous ne pouvez l’imaginer, et les fans de prog éclectique, certainement Hamill et VDGG pourraient en profiter beaucoup ici. LADISLAV&Z.......